GUARNIERI ASSOCIAVA A ALEGRIA À LUCIDEZ

‘O que me dá alegria é saber que fiz tudo o que pude e sempre da maneira que gosto‘. Grande Guarnieri. Nunca cedeu às armadilhas da auto-mistificação, mas nunca fez menos do que aquilo que achava que deveria fazer. Impunha um imenso respeito e simpatia pela sua humildade - a postura daqueles que olham para o outro com insaciável curiosidade, tentando entender seu ponto de vista.
Tendo aprendido sobre a injustiça não na teoria ideológica mas abrindo os olhos para a vida, como Brecht, passou a infância acompanhando o pai, um maestro militante comunista, em pichações noturnas, ou acompanhando a empregada em incursões pelo morro.
Mudando-se para São Paulo, exerce essa alegria de viver nos palcos, junto com Oduvaldo Viana Filho no Teatro Paulista do Estudante, em 1955, grupo que se junto no ano seguinte ao Teatro de Arena. Desponta assim como um vibrante ator em direções de José Renato (“Escola de Maridos” de Molière) e Augusto Boal (Ratos e Homens).
Em 1958, para encerrar as funções do Arena atolado em dívidas, José Renato tomou a iniciativa de encenar um dos textos desenvolvidos pelos atores em oficinas de dramaturgia. O escolhido foi “Eles não usam Black-Tie”, de Guarnieri, que, como quis a história, não foi um canto do cisne mas um renascimento do teatro nacional. Ficando em cartaz por São Paulo por mais de um ano, fato inédito até então, espalhou pelo Brasil a possibilidade de um teatro sem maniqueismo nem meios termos, que punha o operário e a greve no centro do palco.
A consagração que se seguiu foi internacional, pelas mãos de Maria della Costa, com Guimba,e no TBC, com A Semente, ambas com a cumplicidade de Flávio Rangel e a dura marcação da censura.
O golpe militar de 1964, longe de desmotivá-lo, produziu Arena conta Zumbi (1965) e Arena conta Tiradentes em 1967, com um outro perceiro fundamental, Edu Lobo, e o sistema Coringa, no qual o teatro musical brasileiro se unia ao distanciamento brechtiano.Fazendo letras das músicas, Guarnieri tem um cancioneiro a ser revisitado.
Artistas todos com menos de 30 anos, e todos lutando contra um momento tão duro. A obra que se segue é definida modestamente como “teatro de circunstância” pelo próprio Guarnieri, mas Botequim, Um Grito Parado no Ar e Ponto de Partida, sobre o assassinato de Herzog, são imprescindíveis documentos de época. “Se você me perguntar se tenho medo da morte, não tenho, me enturmo com o que vier.” Grande Guarnieri. Que a tua dignidade nos ilumine em tempos tão duros.

RIO PRETO DIALOGA COM SEU FESTIVAL

O Festival Internacional de Teatro de Rio Preto chega ao final de sua sexta edição dando provas de maturidade. Cumpriu uma agenda extensa sem se inflar artificialmente, com espetáculos nacionais e internacionais relevantes e atraentes. Sem abandonar a produção local, livrou-se definitivamente do que havia de paternalista da sua fase amadora, e agora, ao invés de jurados pontificando acertos e erros, convocou críticos do Brasil todo para acompanharem as montagens, além de propiciarem instigantes debates sobre a dramaturgia contemporânea e o espaço do teatro na mídia. A primazia da reflexão se fez presente também em lançamentos editoriais importantes, como o “Dicionário do Teatro Brasileiro: Temas, Formas e Conceitos” da Editora Perspectiva.
Mais do que apontar “os melhores”, dever típico de um mercado inutilmente competitivo, cabe agora sugerir nomes que representem o que por aqui se viu. Em meio à forte revalorização do ator - um módulo do FIT pôde reunir seis importantes monólogos- Eduardo Okamoto teve uma merecida consagração. Com uma causa urgente - o genocídio brasileiro dos meninos de rua - e tendo o LUME como formação para uma linguagem corporal estonteante, “Agora e na Hora de Nossa Hora” é uma montagem capacitada para mudar o mundo.
Do lado da direção, merece destaque Bhá Bocchi Prince, que tendo vencido como no ano passado o Aldeia FIT, festival regional que antecede o internacional, ganhou o direito de voltar a mostrar o talento de seus alunos. Repetindo méritos de “Navalha na Carne”, sua leitura agora do “Abajur Lilás” atendeu plenamente as exigências naturalistas de Plínio Marcos sem cair no piegas nem no simulacro, com um ritmo e um despudor que habilitam sua Cia Núcleo 2 a se apresentar em qualquer cidade.
Em contrapartida, Rio Preto acaba sempre deixando sua marca especial nas montagens visitantes. Newton Moreno incorporou fantasmas locais no texto de “Assombrações do Recife Velho”; Kofi Kôkô instalou seu ritual contemporâneo “Les Feuilles qui Rèsistent au Vent” aos pés de uma seringueira ancestral que mereceu deferência de atriz nos agradecimentos. Nas ruas, A Nau de Ícaros teve sua “Cidade dos Sonhos”, que narra o resgate do tédio pela alegria da arte, absorvida como um camaleão na Parada Gay local, e até os tarimbados Alê Roit e Rodrigo Matheus, do Circo Mínimo, ao apresentar “Quixote”, abafados pela desenvoltura das participações locais, vaticinaram: “todo mundo é ator nessa cidade!”. Que o diga Enéas Rocha, barbeiro da rodoviária local, que teve sua vida transformada pelo teatro.
Dias tão azuis. São José do Rio Preto merece o festival que tem. Agora é segurar o fôlego até o ano que vem.

FIT EXPÕE O NATURALISMO EXPERIMENTAL

SÉRGIO SALVIA COELHO
Crítico de teatro

O público, reunido ao ar livre, vê do outro lado da rua os atores transeuntes lutando contra uma chuva de sonoplastia. Um motoqueiro de passagem aproveita para acenar, transeunte-ator. Poucos minutos depois, o público verá o resto de peça - Dilacerado, da Cia Os Dezequilibrados - em uma sala em ruínas da Swift. Lá, os atores darão depoimentos sobre suas perdas pessoais, procurando equilibrar humor e patético, nem sempre evitando o piegas, mas com simplicidade e honestidade. O diretor Ivan Sugahara aproveita a contribuição dos seus atores, inclusive projetando ao fundo fotos e filmes caseiros, mas sabe que deve entremear os monólogos com uma marcação estilizada, quase um teatro-dança, que expõe melhor que em palavras o amor e a perda.
Uma geração menosprezada busca assim compartilhar suas memórias, e se foi empobrecida pela televisão, é ela que deverá ser reciclada. Sugahara, no entanto, deixa a platéia na função não de um interlocutor, mas de uma testemunha mais ou menos compassiva, como um terapeuta -erro estratégico que é evitado na interatividade de sua montagem seguinte, "Combinado".
O naturalismo de televisão, baseado no espontâneo e no cotidiano, costuma ser julgado como nocivo aos atores, que só no teatro poderiam dar provas de serem criadores. No entanto, décadas dessa modalidade, exercida também pelos melhores atores nacionais de várias gerações, começa a transbordar dos limites canhestros de uma dramaturgia ainda refém do melodrama e da produção industrial.
De fato, o teatro experimental possibilita em seu aqui-agora a interlocução, e esse é o grande trunfo de “A Falta que Nos Move...”, do grupo carioca Cia Vértice do Teatro. É como passar, para usar Pirandello como parâmetro, do “Homem com a Flor na Boca” para “Seis Personagens em Busca de um Autor”. A diretora Christiane Jatahy tem como Sugahara a memória afetiva de seus atores como matéria prima, mas não apaga a luz da platéia.
No palco, cinco atores esperam a chegada de um sexto, para começar a peça. Há um jantar a ser feito em cena, naturalisticamente, com salada e uma picanha posta no forno elétrico. O carisma e a desenvoltura dos atores faz, por um lado, que não se estranhe a proposta- e quando o público percebe que a peça já começou há muito tempo, já faz parte dela ativamente. Por outro lado, o valor alegórico da situação -e aqui cabe um longo ensaio sobre o teatro enquanto banquete compartilhado- é transmitido por pequenos deslocamentos do real, histórias interrompidas ao meio e retomadas sob outro ponto de vista, cenas simultâneas e longos silêncios, que vão ganhando uma dignidade beckettiana.
Esse novo naturalismo não tem nada de mediocre, nem de fácil. Marcações milimétricas devem passar despercebidas, e o treino dos atores e do público para essa espontaneidade trucada começa a render montagens antológicas. Essa “A Falta...” se colocando ao lado do “Ensaio.Hamlet”, de Enrique Diaz, também presente neste FIT, é a geração perdida mostrando finalmente a que veio, reciclando com galhardia a mediocridade a que foi exposta.
Duas estrelas para Dilacerados
Quatro para A Falta que Nos Move, ou Todas as Histórias são Ficção

Raul Cortez sempre foi um provocador, ou seja, alguém que seduz o outro ao desafiá-lo. Contrariando o desejo do pai que o queria advogado pelo amor ao teatro aprendido desde a infância nos quintais do bairro de Santo Amaro, entrou no teatro pela porta da frente: contracenando com Cleyde Yaconis e Walmor Chagas no Teatro Brasileiro de Comédia. A peça era "Eurídice", e quando faria sua primeira intervenção no palco, a leitura de uma carta de Eurídice a Orfeu, perdeu a voz, talvez por exigir o máximo de si mesmo desde o início.

Chamado para fazer o protagonista de "Rasga Coração", a peça testamento de Oduvaldo Vianna Filho, pensou primeiro em recusar, por não ter se engajado politicamente em sua vida pessoal tão intensamente quanto o personagem exigia. Mudou de idéia ao saber que sua segunda filha, Maria, estava sendo amamentada no mesmo quarto no qual Vianinha havia morrido: "Que engraçada maneira que Vianna arranjou de me dar a resposta". E seu Manguari Pistolão se tornou outro personagem inesquecível, de uma extensa galeria que inclui o "Lobo de Ray-ban" de Renato Borghi, em 1987.

A morte de Raul Cortez, como foi a de Vianninha, serve para nos instigar a seguir em frente. O teatro está em luto junto com o cinema e a televisão, deixando de lado preconceitos e mesquinharias. Que o muito que ele fez inspire o muito que se há de fazer ainda.

Há um posto vazio em São José do Rio Preto esta noite.

O nome disto é envelhecer.

FIT ASSUME O RISCO DE ULTRAPASSAR FRONTEIRAS