Na Moita

Quando o teatro é proposto como provocação - isto é, quando ele cumpre seu mais alto papel - fica prazeirosamente difícil para o crítico resumir e conceituar o que vê. É assim com "Amor de Improviso" da Companhia Elevador de Teatro Panorâmico, que encerra a temporada hoje no teatro Viga. É assim com "A Falta que nos Move", da Companhia Vértice de Teatro, que chega do Rio de Janeiro, e é por enquanto a obra prima do naturalismo experimental de Christiane Jatahy.

Em ambas as peças, a incorporação do acaso, com participação da platéia, obriga o teatro a ficar no aqui-agora, resgatando a função ritualística de estranhamento do cotidiano, própria do teatro, seja ele artaudiano, brechtiano ou stanislavskiano. Em ambas, a trama é tenue: a primeira se joga no caos do amor, como já fez Barthes; a segunda joga com a memória, no compartilhamento entre o segredo individual e a crônica de geração.

A peça de Jatahy, no entanto, vai bem além do experimental. Neste jantar entre amigos, que evocam fragmentos da infância nos anos 70, tudo parece aleatório e no entanto é cuidadosamente medido, como uma jam session de jazz. O amigo que se espera junto a platéia, e que talvez virá, dependendo da situação dos aeroportos; o tempo de cozimento da picanha que talvez ficará no ponto no fim do espetáculo; os conflitos em psicodrama que promovem constantes guinadas no ritmo e no tom do espetáculo são minuciosamente embalados por uma trilha acionada em cena aberta pelos próprios participantes, e uma marcação tão fina e precisa que não se enxerga.

Atardar-se demais no resumo da peça é estragar prazeres, como uma explicação dos truques de um mágico. Os atores vestem personagens tão sob medida que parecem quase estar em um reality-show - com a vantagem que suas prendas e manias são inteligentes e divertidas a ponto de darem impressão de se estar entre velhos amigos. Mais do que isso: convidada, a platéia não se constrange em dar seu próprio depoimento, o que faz que sempre mude um espetáculo que dá a impressão que nem começou, até o momento que acaba.

Assim, "A Falta que Nos Move" é um perfeito meio termo entre as experiências anteriores de Jatahy: "Conjugado", que disseca a solidão de uma solteirona em uma performance de zoológico humano, e "Leitor por Horas" que faz uma minuciosa demonstração de como age o subtexto em uma dramaturgia mais convencional. Sem hermetismos nem fórmulas esgotadas, este naturalismo experimental seduz o público de novela e o leva a um grande salto conceitual, quando o faz compartilhar a angústia pela busca do tempo perdido. Cristina Amadeo, Marina Vianna, Kiko Mascarenhas, Pedro Brício e Roberta Gualda, complementares e ágeis como um caleidoscópio, nos dão saudades assim que termina o espetáculo, que é para se guardar na memória, como um momento precioso.

Quatro estrelas

É de testosterona e adrenalina o universo de David Mamet – o que não quer dizer que seus protagonistas, em geral da classe média branca em crise de valores, os ‘white angry men’ nova-iorquinos, estabeleçam verdades unilaterais. "Edmond", por exemplo, que desde a década de 90 já rendeu montagens antológicas (Kenneth Branagh no Royal National Theatre de Londres em 2003, William H. Macy na recente versão para o cinema) é uma fábula justamente sobre a perda das certezas, e de como a raiz da homofobia e do racismo está paradoxalmente em um fascínio pelo oposto: todo medo esconde um desejo.

Uma cartomante convence Edmond que ele não está tendo a vida que merece. Por impulso, ele abandona a mulher e vai testar sua sobrevivência na selvagem noite urbana, entre prostitutas e trapaceiros, para conseguir se reinventar na manhã seguinte só depois de ter exteriorizado o pior de si, com conseqüências terríveis e irreversíveis. São cenas curtas de diálogos essenciais, em uma seqüência de acontecimentos alucinante, algo como o Woyzeck de Büchner reescrito por Harold Pinter.

A diretora Ariela Goldmann segura com firmeza as rédeas desse desafiador exercício para atores. Mantém o distanciamento irônico sem cair nem no didatismo reducionista nem no melodrama grandiloquente, se concentrando sobretudo no ritmo das falas, bem amparada pela fluida tradução de Marco Aurélio Nunes. Diálogos nervosos contrastam com longos silêncios, que a elegante trilha de Raul Teixeira acentua, e é sempre bom ver um texto bem falado no palco.

Marco Antônio Pâmio tem uma atuação memorável, comedida e visceral, tornando plausível a monstruosidade que aflora em Edmond sem perder a sua delicadeza – lembra às vezes Jean-Louis Barrault no "Rinoceronte" de Ionesco, uma criança contrariada em descompasso com o mundo. Está bem cercado por Cácia Goulart, Virgínia Buckowski e José Ferro, entre outros, que garantem um inteligente contraponto em papéis pequenos.

Nem tudo atinge a mesma essencialidade, no entanto. O cenário e figurinos dão impressão de um improviso no precário que remete a peça a um exercício de escola. Atores entram constantemente em cena apenas para mudar elementos desnecessários, o que distrai e desautoriza a precisão presente na atuação.

Se fossem deixados apenas com sua grande responsabilidade de criar tipos caleidoscópicos, o elenco talvez ganhasse profundidade maior, conquistando a atenção do público para além da compreensão dos fatos. Sob sua aparente simplicidade estrutural, "Edmond" toca em feridas desconcertantes sem apontar soluções óbvias: não adianta apenas condenar o preconceito, é preciso desvelar seus mecanismos cotidianos.

Três estrelas.